Entrevista a Andrea del Boca

Fuiste una figura duramente criticada por acompañar a los gobiernos kirchnernistas durante la última década, lo que llevó a que en las últimas semanas se te haya acusado de enriquecerte con fondos estatales, ¿Qué podes decir al respecto?

R: Mis convicciones no tienen que ver con un momento especial de un partido, de un presidente o una presidenta. Son convicciones desde que era niña, que refieren al ser peronista. En Argentina se dicen muchas cosas que no son ciertas y fueron utilizadas para una interna política de la que no tengo nada que ver. Estuve con el Ministro de Cultura del Gobierno de la Nación, el Ing. Hernán Lombardi, y le presenté toda la documentación. Me dijo que todo estaba perfecto y que era el único proyecto que seguía adelante porque cumplía con todas las condiciones que tenía que cumplir en cuanto a contrato. Se mintió. No es el título que dijeron, es una serie semanal de seis meses de duración.

Segundo Cernadas (actor y actual director de Anses), quien en su momento protagonizó “Esa Mujer” te defendió y justificó que incluso el presupuesto que había sido entregado para algunas de tus producciones no era suficiente para realizar el proyecto.

R: Cada uno puede tener su condición como ciudadano, pero lo que tiene que ver con la ficción es su trabajo como actor. En este caso nos referimos a una novela que está en post-producción. A quien tenía que presentarle los contratos, como actual ministro de cultura, fue a quien se los presenté. Si hubiese habido algo que no estaba en regla, el proyecto no hubiese continuado.

¿Qué opinas de la renuncia por parte de Dario Loperfido que por estos días muchos actores festejan?

R: Justamente responde a la interna política que hay entre el Sr. Loperfido y el Ing. Lombardi de la cual estoy exenta.

¿Como figura reconocida a nivel mundial, principalmente por tu rol en la televisión, qué sentís de haber sido invitada a la Gala de los Premios Platino?

R: Celebro este tipo de galas al cine iberoamericano. Demuestra que el núcleo está y que debemos acompañarlo a que siga creyendo, no solamente en cada uno de los países, sino en las coproducciones.

Entrevistando en los Premios Platino 2016

Gentileza Maximiliano Segredo por las imágenes

El valor del “cine imperfecto”

Joanna Lombardi nació en Lima, Peru. Siendo hija del famoso director de cine Francisco Lombardi (“La ciudad y los perros”, “La boca del lobo”, “Pantaleón” y “Las visitadoras”) y la poetisa Giovanna Pollarolo, se adentró en el mundo del cine desde joven al trabajar con su padre. Esto le permitió adquirir la experiencia que la llevó a dirigir su primer largometraje “Casadentro” en el 2012. Este filme obtuvo el premio Zenith de la primera obra de ficción en el 36º Festival de Filmes del Mundo de Montreal. Además, Joanna desempeña la función de Gerente de Producción en Tondero Films. En el marco del 19^o Festival de Cine de Punta del este, Lombardi presentó su segunda película, “Solos”.

La misma es una construcción narrativa que mezcla un relato ficticio y documental, cuestionando la motivación que toman los directores cinematográficos al momento de rodar una película. Además muestra las complicaciones que surgen para difundir el cine de autor. Joanna decide hacer un contraste entre sus dos largometrajes. Por un lado, menciona que “Casadentro” se destaca por estar dirigida con un guión estructurado como base y filmada en una locación fija. Cuenta que trabajó tres años en el guión de la misma y que durante el rodaje no se modificó, lo cual le permitió tener un plan esquematizado a la hora de filmar. Por otro lado, menciona que el ánimo de su segunda película estaba motivado por hacer algo totalmente distinto a lo que había hecho en su primer filme, algo mucho más libre. Es por esto que la producción de “Solos” no se basó en un guión estructurado. Relata que cuándo finalizó la primera semana de rodaje entró en pánico, ya que el hecho de no tener guión le hizo sentir que quizás estaba haciendo/escribiendo una película sin sentido. Esto le permitió cuestionarse a donde iba a llegar ya que no tenía ni final. Al terminar la primera semana y mientras editaba el sonido del filme, encontró el hilo conductor del mismo, escribió algunas escenas para que avanzara y así descubrió el final. Ella resalta que es una película sencilla, creo que tiene bastante verdadera en el sentido que está filmada como documental y destaca que le gustó el trabajo logrado junto a los actores, lo que resulta en una película en la cual todo el tiempo parece que están pasando cosas.

La trama parte de la experiencia de Lombardi con “Casadentro”. Ella reconoce que a esta película “le fue muy bien en festivales pero de publico le fue muy mal, como ocurre normalmente. Si te va bien en un festival probablemente la película no funcione muy bien con el publico masivo.” Justamente este hecho se ve reflejado en la historia de “Solos”, que trata de unos chicos que hicieron una película a la que le ha ido bien en festivales pero muy mal de público, razón que llevó a que saquen la película de cartelera en una semana. Al sentir la sensación que, según describe Joanna tienen muchos directores al haber trabajado dos o tres años para que esté una semana en exhibición deciden subirse a una camioneta, llevar una pantalla inflable e irse de road movie por la selva peruana a proyectar su película gratis, en búsqueda de un publico. Según ella “es una película que reflexiona sobre el cine de autor. Sobre esa pregunta que muchos se hacen, que es si ¿Vale la pena seguir haciendo este tipo de cine, aunque tenga tan poca exposición?”.

Por último, Lombardi cree que cada película necesita una manera distinta de ser contada. Admite que “Solos” no podría tener un guión, ya que no iba a salir nada. Nuevamente, hace una comparación con “Casadentro”, mencionando que es una película que funciona bien justamente porque está estéticamente muy pensada. Cuenta que Inti Briones es el director de fotografía en sus dos películas. Describe que las escenas de su primera película estaban basadas en planos secuencias, lo que llevó a que cada escena funcionase perfecto “casi cómo una coreografía funcional”. En contraste, las escenas de “Solos” son desordenadas. Joanna adelanta que en su próxima película (que está en proceso de escritura) tiene un guión aunque también está dejando incógnitas a descubrir en el momento de rodarla. Con respecto al simbolismo de la película, la directora quería que la película hablara de esta proyección del cine pero que tampoco fuera tan literal. Es por esta razón que al entrar casualmente en los problemas de cada personaje, esto no tiene nada que ver con lo que guía a la película. Lo que sienten los personajes en soledad, es no estar conectados con lo que están haciendo o con lo que quieren lograr. “Toda la reflexión que se fue realizando durante la película en realidad fue en el camino o sea fue en conversaciones con ellos. Aunque no había guiones ensayamos mucho para descubrir como tenían que ser los personajes para poder contar esta película sin ser natural”.

Entrevista 

Con respecto al momento que decidiste escribir la trama y planificar el rodaje ¿Buscas o piensas en cómo lograr la aceptación de la audiencia?

-          En realidad nunca pienso en el público. Creo que si tratara de hacer algo que le gustase al público no sé si me saldría bien. Hago la escena que me parece, como me gustaría verla a mí. Pero si creo, que esta película tiene mucha más cercanía con el público que mi primera película, en la cual es más difícil encontrarla. “Solos” en realidad sin querer, tiene momentos de comedia, es mas ligera; es una película que se va armando de la misma. No se hablan temas importantes.

¿Cómo repercutió en tu persona el hecho de hacer una película con escenas escritas sin un guión y tener que improvisar? ¿Qué sentiste? ¿Miedo?

-          Mientras hacía las escenas la pasaba muy bien, no es que tenía miedo. Los actores improvisaban súper bien. Lo que yo hacía era decirles ya están acá ahora tienen que llegar acá, hablen de lo que quieran. Obviamente a partir de esto para que salga bien había que hacerlo varias veces; se iba corrigiendo pero sobre la improvisación. Me gustaba que se sintieran libre porque improvisar no es fácil, además en este caso había que improvisar a partir de un personaje y eso es más complicado. Creo que los actores, tuvieron una gran química y sienten que tienen una relación, que son amigos. La verdad que la experiencia de esa forma me ha gustado.

En referencia al hecho de que haya un personaje de origen argentino (Alberto Rojas): ¿Representa una simbología en el desenlace de la película o simplemente se presento un actor argentino al casting y resultó seleccionado?

-          Era importante para la película que hubiese un personaje que fuera de otro lugar, que no los conociera a los demás. Eso te da la oportunidad de contar lo que pasa con los otros personajes, sin ser explicativos. Si es un grupo de amigos nunca explicarían lo que les pasa como le tienen que explicar a alguien que es de fuera del grupo. Podrida ser de cualquier lugar de Latinoamérica.

Por otro lado, también me gustaba que hubiese alguien de Latinoamérica, porque la problemática del cine de autor y lo complicado que es su distribución, es un problema latinoamericano y no solo peruano; entonces si me parecía bueno que haya otra presencia. Por último, lo elegí a él (Rojas) porque en un festival de cine en Lima, había una película de Ezequiel Acuña llamada “Excursiones” en la cual actuaba Beto. Yo la había visto hace tiempo y tenía el recuerdo que este actor improvisaba muy bien. Entonces, al momento de hacer el casting pensé en él.

A lo largo de la película se menciona la idea de realizar aplicaciones móviles, ¿Cuál es la relevancia de esto?

-          Estos chicos están todo el rato pensando en como volverse millonarios, poniendo el cine en un lugar que es imposible vivir de eso. Esa es la razón que los lleva a estar siempre pensando en que pueden hacer para sobrevivir.

La película está filmada en la selva amazónica, espacio característico para la cultura peruana por la influencia de la cultura indígena. Esto me recuerda al documental cubano “Por Primera Vez” (1968) dirigido por Octavio Cortázar.

(Nota: Este documental recoge la experiencia de una comunidad rural de las sierras del oriente de la Isla, donde llega "por primera vez" el cine, gracias a los cines móviles creados con este fin por la revolución. Por el recurso del cine en el cine, el espectador recibe las diferentes emociones que a un público de niños y hombres del campo le transmite el ver el primer filme de sus vidas)

-          Se filmó todo en Tingomaria, que es un poquito antes de entrar a la frontera y claro, la gente es la de ahí. Cuando anunciaban la proyección de la película, la gente creía que era de verdad porque lo estábamos haciendo realmente. Cuando terminaba de rodarse la escena les explicábamos. Mi película no va por ahí, porque allí igual hay televisión. No es cómo llegar a gente que nunca ha visto algo audiovisual. Hay gente que ya ha visto, porque si hay cine en esa zona.

¿Que tendrían que hacer los políticos para motivar la difundir cultura? (Nota: En Perú el 2016 es año de elecciones) ¿Cuál es tu opinión frente a la candidatura de Keiko Fujimori y su posición en las encuestas?

-          Me da pena lo de Keiko. No me sorprende tanto porque lamentablemente las democracias son así. Y los sectores que apoyan a Keiko son el E, o sea la gente mas pobre, y el A; la gente que tiene mas plata. Entonces, siempre son así los extremos y es común en las extremas derechas. Ojala que no gane, yo creo que no va a ganar. Creo que se necesitan de hecho políticas culturales, en Perú no hay ninguna política. Se trató de aprobar una ley de mecenazgo, que hay en todos los países. Esto lleva a la devolución a las empresas de sus impuestos. Si una empresa me da 50 mil dólares para hacer funciones de cine en provincias pueden reducir esos 50 mil dólares de sus impuestos, y entonces es como que les saliera gratis. Eso existe en un montón de países, en Perú no. Si, hay muchas políticas que se pueden hacer. No se le ha dado mucha bola al cine de autor porque se comete el error de pensar que en los países más pobres la cultura es lo último que se debe hacer.

Sin embargo, ustedes tienen a Mario Testino, que es un ícono en la cultura peruana internacionalmente, y tiene su museo en Perú.

-          Todo lo que tiene Mario Testino lo ha hecho el solo. Y su museo, lo ha financiado el mismo, no ha recibido ayuda del gobierno.

¿Qué opinas de los reality show que están cobrando tanta popularidad en Perú, como por ejemplo Combate? ¿Crees que el invertir en esto dificulta la posibilidad de realizar y difundir cine de autor?

-          El problema con la televisión, que ocurre en otros lugares como por ejemplo Brasil, es que hacer un reality es mucho más barato para un canal de televisión que hacer un proyecto de ficción. Hablando hasta de series o de telenovelas incluso, cualquier cosa que haga que los otros tengan trabajo. Los reality son la opción mas barata y entonces nos han inundado. Es una pena y lo peor de todo es que esos programas son más vistos por niños; y no hay ningún programa infantil en la televisión abierta, no existen.

¿No hay?

-          Solamente en cable y la penetración del cable es limitada. Ni siquiera el canal del estado tiene productos para niños, entonces están totalmente desatendidos. Y finalmente esos niños van a ser grandes y van a elegir que ver; me parece que es un deber y se debería hacer un esfuerzo por atender estas necesidades.

Por último, Tondero productora en la que tú eres Gerente de Producción, produjo películas como “A los 40” o “A su mae”. Siendo estas películas tan aclamadas comercialmente, ¿Puedes explicarme cuál es tu necesidad respecto a la producción de películas de autor?

-          Nosotros hacemos películas súper comerciales que para sostener nuestras otras películas, que son películas de autor. O sea la empresa hace dos tipos de cine, un cine muy comercial, con el que generamos el dinero para sobrevivir y para poder hacer películas de autor. Es la manera que hemos encontrado de financiarnos. Nuestra área de cine comercial tiene un objetivo obviamente de taquilla pero nuestra área de cine de autor no tiene un objetivo de taquilla.

Desde Europa hacia Latinoamérica

José Barahona (Lisboa, 1969), es un director y guionista portugués, que tuvo la oportunidad de competir en el “Festival de Cine Internacional de Punta del Este” (llevado a cabo entre el 21 y 27 de febrero de este año) con su último largometraje “Estuve en Lisboa y me acordé de ti”. Esta adaptación del libro escrito por el brasileño Luiz Ruffato, retrata el drama de Sérgio de Sousa (Paulo Azevedo) quien luego de ser alejado de su hijo, fruto de una relación con una mujer mentalmente insana, decide emigrar desde su ciudad natal Cataguases (Minas Gerais, Brasil) hacia Lisboa (Portugal) con la esperanza de mejorar su situación económica. Durante la conferencia de prensa, Barahona contó que ya había trabajado este tema durante el 2003, cuándo se instaló en Buenos Aires para rodar el documental “Buenos Aires Hora Zero”. Barahona confiesa que esta oportunidad le permitió relacionarse con el idioma español y lo llevó a emprender un viaje de búsqueda. Él mismo describe que “el documental tenía que ser sobre inmigrantes, sobre el pueblo argentino… vine especialmente a Colonia del Sacramento buscando un personaje que se decía descendiente de los fundadores de la ciudad, que era portugués y cuándo llegué aquí, él se había ido para Buenos Aires.” Además, dijo que se siente interesado por este tema ya que es muy duro; “Es muy duro lo que está pasando en Europa con la cuestión de los refugiados y todavía antes con la cuestión de los migrantes. Como ciudadanos solemos mostrarnos desentendidos frente a esta cuestión, no queremos recibirlos”. Esto se retrata en la película ya que al mudarse, Sergio debe enfrentarse a problemas de discriminación y de pertenencia, al no conseguir adaptarse a esta nueva ciudad. El director hace un paralelismo con los brasileños que emigran a Portugal  retratando a Lisboa como “una ciudad que tiene mucho que ver con ellos pero dado que los inmigrantes pertenecen a una camada social más simple, sufren la burocracia de discriminación referida a las dificultades para obtener papeles que los habiliten a trabajar”. También menciona que decidió realizar esta adaptación ya que es un “espejo” de su vida. Él cuenta que en el 2012, al vivirse la gran caída económica en Europa (Portugal y Grecia especialmente), la producción de cine se hundió, lo cual conllevó a que José tuviese que mudarse a Río de Janeiro. Menciona que América es un continente que “recibió y sigue recibiendo de brazos abiertos a la gente que se viene desde Europa… Brasil es el país de América Latina recibe más refugiados de Siria” Por último lo describe como “un continente construido con mucha sangre pero también con mucha inmigración y cultura” A su vez, compara a Europa con “algo viejo que está cómo en un museo”. Y subraya que “aquí, además de todos los problemas políticos, sociales y económicos se está construyendo, mientras que en Europa estamos en una decadencia total que va a explotar ahora con la cuestión de los refugiados y otras cuestiones económicas”

Con respecto a la realización del largometraje, Barahona menciona que cuándo piensa en hacer una película, piensa cuales son los medios disponibles para lograrla. Sin embargo, destaca que cuándo está imaginando y escribiendo, no hay fronteras. Es por esto que cuenta que “si no tenemos plata para pagar un restaurante (Serginho trabaja en un restaurante en la película), ponemos al actor trabajando en un restaurante como si estuviéramos filmando un documental”. También enfatiza en que le interesa “usar actores no conocidos, para que puedan mezclarse con otras personas que no son actores. Es por esto que elegí un actor no conocido para que sea el protagonista de mi película.” Él dice que la estructura narrativa es la que permite darles tensión a los personajes. En la película se observan tomas en las cuales el actor mira directamente a la cámara mientras cuenta su historia para ella. Esto lo detalla como algo muy “natural” aunque admite que lograr esto le presentó un desafío para elegir al protagonista de “Estuve en Lisboa y me acordé de ti”. Por último admite cierta contradicción en su labor como director ya que “si bien había un guión basado en un libro, y yo tengo la obsesión por el control absoluto, quería darme el espacio para poder improvisar con los actores.”

Como reflexión final, Barahona alude una relación directa entre la prostitución en Portugal y la trata de personas. “Pagan un viaje convencidas de que van a trabajar en restaurantes u hoteles, entran por España (dado que es más fácil) y recién al llegar se enteran el destino que les espera.” Y menciona que “cuándo somos inmigrantes y las cosas no salen bien, muchas veces tratamos de olvidarlas, por lo cual no queremos que las personas que están en otro país nos busquen.”

Entrevista

La película es una adaptación del libro de Luiz Ruffato: ¿Surge la idea de la película a partir de la lectura del mismo o sirvió este como un respaldo del guión? ¿Qué tan fiel es la adaptación del libro al guión del filme?

R: Leí este libro de casualidad. Cuándo estaba en Río de Janeiro me comentaron acá hay un libro que pasa en Lisboa. Lo leí y dije, bueno esta es la historia que ahora voy a hacer. Es una historia que yo viví. Yo vi muchos brasileños llegar a Lisboa. Por ejemplo la persona que trabajaba en mi casa ayudándome en la cocina es brasileña. Hay personas muy calificadas trabajando en publicidad, hay personas muy clasificadas trabajando en obras. Había muchos brasileños que se fueron debido a las crisis económicas. Entonces yo pensaba lo siguiente: Tengo que hacer esta historia y este tipo (Serginho) al final, va a quedarse sin plata, sin empleo, sin lugar, porque viene la crisis económica en Europa y hay un movimiento de migración al revés al que venía sucediendo. Pero el tiene vergüenza de volver y piensa ¿Cómo va a volver a esa ciudad si todo le fue mal? Conclusión: No puede volver. Con respecto al tipo de adaptación, la película tiene textos que vienen del libro, porque es muy fiel a lo que escribió Ruffato; sin embargo el guión también tiene cosas que son escritas por mí en el estilo de Ruffato, además de contener mucha improvisación.

¿Hubo que simular el espacio donde se desarrolla la historia en algún momento o fue filmada en locaciones reales?

R: Si, es todo Lisboa y Brasil. No hubo filmación dentro de algún estudio.

En una escena de la película, Serginho le “presta” su pasaporte a Sheila, la prostituta de quien se enamora en Lisboa, con el fin de que ella saldase una deuda con su “jefe”. Esta escena me impactó por lo cual le pregunté al director si esto puede justificarse como ignorancia o enamoramiento por parte del personaje.

R: Yo intenté caracterizar un personaje que venia del libro y es muy naíf. Es un hombre que le cree al sueño de salir y confía en que va a ganar mucha plata en Portugal. Tiene esa cosa naif de darle flores a todas las mujeres con las que se casa, y a las prostitutas también. Entonces, dada esta condición y el hecho que parece que está tan enamorado de ella, que se muestra cómo una mujer tan copada, acaba dándole el pasaporte. Quizás no es muy realista para el mundo actual, porque, por ahí ninguno de nosotros le daba el pasaje.

Al finalizar la película: ¿Donde siguió viviendo el protagonista? ¿En la pensión, en los vagones de un tren? Spoiler: La película termina con una toma desde arriba de las vías del tren.

R: Para mi está en otro lugar afuera de la ciudad. Es un lugar que remonta el mensaje de la película. Es como su casa en Brasil, donde Serginho escuchaba y observaba los trenes. Es como que vuelve a algo que no es su casa pero que ilustra la memoria de la misma. Se muestra que no encontró su lugar. No es relevante donde está físicamente localizado ese lugar, lo importante es que mentalmente el protagonista no encontró su lugar estando afuera de su casa. El tren simboliza la memoria de su casa en Brasil, que aparece en la primer parte de la película.

Habiendo experimentado la vida en dos países con tanto contraste político, como lo son Estados Unidos y Cuba (Barahona se formó en la New York Film Academy de Nueva York y la Escuela Internacional de Cine y TV), se me ocurrieron dos preguntas:

¿Crees que el inmigrante se transforma en  exiliado cuándo se ve condicionado a abandonar a su familia y debe adaptarse a pésimas condiciones de vida?

R: Si, bastante. ¿Se transforma en un esclavo, no? En el trabajo se somete a la explotación. Es como un exiliado político. Es como un refugiado de guerra. Es una situación de parentesco.

¿Cuál es tu posición frente al fenómeno Donald Trump en el que se ve reflejada una postura de rechazo hacia los inmigrantes?

R: Yo siempre digo que el mundo es un mundo, en el cual nosotros estamos viviendo. Desde hace mucho que los europeos salieron de Europa para conquistar, los musulmanes salieron de África para conquistar… Hoy en día no se conquista, hoy en día en Europa, en África, en algunos lugares todavía no hay guerras pero hay migraciones ¿no? Porque los sirios se escapan de la guerras, porque se escapan de malas condiciones económicas, etc. Pienso que el mundo tiene que ser más tolerante a estos movimientos de personas y tiene que pensar en lo que ahora es el lugar para ir, que antes era Europa… En un dado momento aparecen los europeos como yo que me fui a Brasil… Las cosas cambiaron en 20 o 30 años. Antes iban los brasileños a Portugal, ahora vienen los portugueses a Brasil. En estos momentos Brasil va a tener una crisis económica, y me doy cuenta que, por ahí, en Brasil las personas de una clase social más alta quieren irse a Lisboa. Ahí es cuándo pienso que el mundo tiene que ser más abierto. Ese fenómeno de Donald Trump me parece una estupidez, una pavada sin sentido. Esas son personas que quieren hacer “show off”. La historia nos muestra que tenemos que ser tolerantes. Es un planeta, somos seres humanos todos. No hay diferencias, no hay uruguayos, brasileños y portugueses. Hay seres humanos. Hay culturas diferentes que tenemos que compartir. Tenemos placer de conocer las buenas de otras culturas. Está bueno que Uruguay sea un país diferente de Brasil y de Portugal. El rumbo del mundo tiene que basarse en ser países abiertos a personas que van y vienen.

Georgina Tirotta: Extravagante Gran Bailarina en el Conrad de Punta del Este

Luego de haber trabajado junto a Anibal Pachano, pasado por Stravaganza, y haber sido coach de Noelia Pompa y Facundo Mazzei en Bailando por un sueño, Georgina Tirotta encabeza el elenco del espectáculo “Pequeña Gran Mujer” (dirigido por Flavio Mendoza), que inició en el Conrad de Punta del Este, el pasado 16 de abril, una gira nacional.

Oriunda de Buenos Aires, inició sus estudios en abogacía, con la esperanza de poder algún día dedicar su tiempo completo a las artes escénicas. Georgina declara que el género que más le apasiona es la comedia musical, motivo que la impulsó a estudiar en la escuela de Julio Boca y Ricky Pashkus. Esto la llevó a ganarse una beca para estudiar en Point Park University. Sin desprestigiar su anterior obra, Stravanza (que admite le hizo conocer un lado circense que nunca había imaginado), pide que no se la compare con Pequeña Gran Mujer “El desafío del elenco de pequeña gran mujer es mostrarle a la gente la conexión de la actuación, el canto, el baile, el humor... Para dar un mensaje de vida positivo”. También confiesa tener claro que en Uruguay hay mucho talento y, resalta, que le gustaría hubiese mayor salida laboral para los artistas.

1)      Existe en la creación de elencos una etapa de adaptación con el grupo de trabajo, en lo que refiere a la confianza en escena. Habiendo sido coach de Facundo y Noelia en el Bailando, lo que requiere muchas horas de ensayo ¿Qué pesó tuvo esto a la hora de congeniar para lograr el éxito de la obra?

R: En realidad ya los conocía a los tres. A Maxi desde el 2009; en un obra de Anibal Pachano, donde incluso yo participaba de un cuadro de humor suyo. Trabajamos muchos años juntos en teatro. Después me reencontré con él en Stravaganza. A Noelia la conocí en Stravaganza y consolidamos el lazo en el Bailando 2014. A Facu lo conozco hace años, porque teníamos amigos en común, y tomábamos clases juntos… luego Stravaganza y luego el Bailando. La verdad que esta confianza a la hora de trabajar juega mil puntos a favor porque trabajas más tranquilo, aportas, construís… ¡encima, nos apreciamos y divertimos!

2)      La comedia musical involucra canto, baile y actuación. Al igual que Facundo y Noelia, enfatizas en tu pasión por el baile  ¿Sentiste algún tipo de temor cuando te dijeron que tenías que mezclar estas disciplinas o ya habías tenido un papel similar en un espectáculo anterior?

R: Yo soy principalmente bailarina. Estudié comedia musical y por mi parte siempre me entrené en canto y teatro. Ya había hecho obras que integraban las tres disciplinas, porque justamente el género que más me gusta es la comedia musical.

3)      ¿Qué significó comenzar a trabajar en Stravaganza, obra para la cual en poco tiempo personas que dicen no tener conocimiento ni experiencia en acrobacias, logran convertirse en acróbatas casi profesionales?

R: Personalmente el paso por Stravaganza me hizo conocer un lado circense que nunca había imaginado. Pero no más que eso. Mi labor era de bailarina y tenía participaciones acrobáticas que sin ninguna duda, enriquecieron a mi artista

4) Teniendo “Pequeña Gran Mujer” un formato totalmente distinto al tipo de obras que “Fa Producciones” viene presentando ¿Cuál crees que es el mayor desafío para esta obra?

R: No siento que tiene que existir la comparación de PGM con Stravaganza porque lo que comparten es director (Flavio) y empresa. Nada más. Es un Music Hall, por ende, es otro género. El desafío del elenco de pequeña gran mujer es mostrarle a la gente la conexión de la actuación, el canto, el baile, el humor... Para dar un mensaje de vida positivo

5) Venís de Argentina, país en el que hay variedad de propuestas artísticas, a Uruguay; país donde de a poco empiezan a abrirse las oportunidades y posibilidades de acceso a espectáculos culturales. Basado en tu experiencia y observación: ¿Cuál es tu opinión respecto al desenlace de las artes escénicas en nuestro país?

R: Sé que en Uruguay el artista no tiene tanta salida laboral como nos gustaría. Sé del esfuerzo que hacen para poder mantenerse, a veces teniendo trabajos que nada que ver tienen con el rubro y haciendo malabares con sus horarios. Pero lo que tengo claro es que hay mucho talento, mucho. Así que espero que Uruguay crezca cada vez más a nivel cultural; es lo que se merece. 

Fuente: http://www.carasycaretas.com.uy/georgina-tirotta-extravagante-gran-bailarina-en-el-conrad-de-punta-del-este/

Pequeño gran elenco hechiza Punta del Este

Apostando a una faceta diferente en lo que refiere al uso de piscinas, Flavio Mendoza arriesga nuevamente a una pequeña gran ilusión. Así nace “Pequeña Gran Mujer”, comedia protagonizada por Noelia Pompa, con la participación de Facundo Mazzei, el compatriota Maxi de la Cruz y Georgina Tirotta.

La misma llega por primera vez a Uruguay; habiendo dado inicio, el sábado 16 de Abril en el Conrad de Punta del Este, a una gira alrededor del país que se presentará en: Montevideo, Nueva Helvecia, Florida, Mercedes, Paysandú y Salto.

Una función expectante

Este Music hall ya se presentó en Villa Carlos Paz (Cordoba, Argentina) durante  la temporada teatral 2016 y consagró a de la Cruz como “Figura destacada masculina” en los Premios Carlos. El espectáculo retrata la biografía de Noelia Pompa, recorriendo sus experiencias vividas desde el nacimiento hasta la actualidad. Pese a que durante la obra se relatan situaciones dramáticas, estas son evocadas con humor. Además, hay un intercambio en escena de sketches, vivaces coreografías y números musicales;  respaldado por un increíble despliegue escénico compuesto por vestuario de diseñador, iluminación única y el uso de pantallas LED que se acoplan a la escenografía en cada cuadro.

El éxito comercial y el reconocimiento al talento de Flavio Mendoza y todos sus emprendimientos están presentes de forma permanente a lo largo de la obra. Es así que, de la misma forma que se hace mención a Franciscus (nuevo espectáculo perteneciente la compañía teatral) podemos ver una aparición en off de Flavio alentando a Noelia a confiar en su capacidad cómo artista. Finalmente, se presenta un monólogo seguido por un solo, en el cual Facundo Mazzei relata de forma anecdótica y emocionante su incorporación a “Fa Producciones”.

El leitmotiv es el mismo que el mensaje que pretende transmitir la obra, “pueden los sueños al mundo cambiar”, tal cual lo dice  el estribillo de la canción de cierre.

Es de destacar la gran acogida que tuvo en el público esta simpática comedia. Al igual que durante la temporada, el público puntaesteño acogió con entusiasmo a Noelia y al resto del elenco, aplaudiéndoles de pie al finalizar la obra.

Crónicas de un Festival poco anunciado

En la semana del 21 al 27 de Febrero se llevó a cabo la 19^na edición del Festival Internacional de Cine de Punta del Este. La misma contó con la presencia de referentes del cine latinoamericano cómo George Hilton, Gloria Pires, Ruy Guerra, Dolores Fonzi, entre otros.

El Domingo 21, a las nueve de la noche se abría el telón desplegando un homenaje a George Hilton. Nacido en Montevideo (1934) cómo Jorge Hill, su carrera se destaca por haber actuado en numerosos Spaghetti western durante los años 60 y 70; además de diversas producciones argentinas, italianas y españolas desde su debut en 1956. Además, es reconocido por haber protagonizado el representativo filme uruguayo “El lugar del humo”.

Al finalizar el homenaje se realizó un reconocimiento al 65 aniversario de la inauguración del Palacio del Festival en el barrio Cantegril (obra construida a comienzos de 1951 para ser sede del Primer Festival de Punta del Este), además de un homenaje al Festival de Gramados; que contó con la presencia del programador del festival, Marcos Santuario, responsable en la elección de la mayoría de los filmes brasileños que fueron exhibidos durante la semana. Para cerrar este encuentro, se exhibió la película “Ausencia” (Brasil) dirigida por Chico Teixeira y a continuación se llevó a cabo un coctel en el Parador 31 de la Playa Mansa.

A lo largo de la semana se exhibieron películas en la Sala Cantegril, el Cine Libertador, la Casa de la Cultura de Maldonado y el Salón Rojo del Cantegril Country Club. A su vez, se realizaron proyecciones itinerantes en diversas localidades de Maldonado y la región, como el Cine Club de Piriápolis, la Sociedad Unión de San Carlos, la Casa de la Cultura de Aiguá, el Centro Club Progreso de Pan de Azúcar, en Gregorio Aznárez y en el Cine Club de Rocha.

El Viernes 26 la audiencia puntaesteña palpitaba la llegada de Gloria Pires al país, para presentar su protagónico en el largometraje “Nise, el corazón de la locura”, homenaje a la vida y obra de la doctora Nise da Silveira, personalidad destacada  por su labor en un hospital psiquiátrico a las afueras de Río de Janeiro. Nise logró implementar tratamientos para pacientes con esquizofrenia basados el desarrollo de las artes plásticas y/o el contacto con animales. Además, se la reconoce como una de las pocas psiquiatras que se opuso y luchó contra los violentos tratamientos electroconvulsivos. Esta película se destaca por el papel secundario de Charles Fricks, quien al igual que Pires estuvo presente durante el festival, presentando su protagónico en el destacado filme “Casi Memoria”. Para conmemorar la llegada de Pires, la organización del FIC Punta preparó una recopilación de la carrera de la artista que fue presentada a la noche, anterior a la proyección. Además, Jorge Céspedes (Director General de Cultura de la Intendencia de Maldonado) hizo entrega de un ramo junto a una placa de reconocimiento. En nombre del balneario Punta del Este, Andrés Jafif (alcalde) le entregó una amatista.

Durante la conferencia de prensa, brindada en Ovo Beach, le pregunté a Pires sobre su deslinde del rol en telenovelas, por el cual llegó a ganar el reconocimiento que actualmente tiene, para adaptarse al cine. R: “Así como muchas personas comienzan en teatro, yo comence en la televisión y siempre seguí en la misma. Mi casa se encuentra adentro de la TV Globo (Es importante destacar que su carrera en televisión comenzó a los 7 años de edad). Me abrió muchas puertas; tuve la oportunidad de leer mucho, de ver mucha gente buena trabajando, pudiendo compartir con personas increíbles, con tanta experiencia, actores icónicos. Lado a lado. Participando de un proceso diario que dura casi un año en el que uno se queda sin vida personal”. A su vez describe la telenovela como “picadeira” (arena de circo) para los actores. “Es una cosa de movilidad, de juego de soltura. La capacidad se basa en lidiar con las dificultades que surgen”. También  contó que a los 16/17 años empezó a hacer cine anualmente y que esta película llevó 4 años con ella dentro del proyecto (anteriormente el papel de Nise le había sido ofrecido a la actriz Drica Moraes), pero que sin embargo se filmó en dos meses; uno de preparación y otro de filmación. Por último, mencionó: “esta experiencia intensa transformó al equipo realizador en un grupo tan cercano, tan profundo. Y lo más importante es que se dio rápidamente.”

Un detalle que me parece importante resaltar sobre este festival es que, además de reunir figuras destacadas y permitir el relacionamiento de las mismas con el público, también le provee la posibilidad a directores, actores, productores y distribuidores (tanto de cine comercial, como de autor) de incursionarse en los mercados internacionales.

El Jueves 25 el ICAU (Instituto Nacional de Cine y Audiovisual del Uruguay) organizó un panel que tuvo la posibilidad de contar con la presencia de Álvaro Caso (distribuidor de ENEC Uruguay), Carlos Zumbo (Director de Zeta Filmes, Argentina) Joanna Lombardi (directora y productora de Tondero Filmes, Perú), Mariana Secco (productora Salado Cine, Uruguay) y Martín Papich (director ICAU). El mismo estuvo moderado por Gabriel Giandinoto (Ultracine, Argentina).

Allí tuve la posibilidad de conversar con Joanna Lombardi, quien además de su ser  Gerente de Producción en Tondero Films, es hija del reconocido director peruano Francisco Lombardi (“La ciudad y los perros”, “La boca del lobo”, “Pantaleón” y “Las visitadoras”). Ella vino a presentar su segundo largometraje “Solos”, construcción narrativa que mezcla un relato ficticio y documental, cuestionando la motivación por parte de los directores latinoamericanos al momento de rodar una película, además de mostrar las complicaciones que surgen cuando se quiere difundir el cine de autor. Debido a la dicotomía que parecía generarse por el hecho que Tondero es una de las productoras más preponderantes  del cine comercial peruano (produjeron largometrajes como “A los 40” y “A su mare”), decidí preguntarle por su incursión en el cine de autor.  Ella me replicó que “la empresa hace dos tipos de cine: un cine muy comercial con el que generamos el dinero para sobrevivir y para poder financiar las películas de autor que producimos. Nuestra área de cine comercial tiene un objetivo obviamente de taquilla mientras que el área de cine de autor no lo tiene.”

Para el cierre de esta maratón cinematográfica, el Sábado 27 se llevó a cabo la ceremonia de clausura en la cual se entregó el Premio Mauricio Litman. Al finalizar la entrega del Premio se realizó un cóctel en el Salón de Piedra del Cantegril Country Club a cargo de Miguel Sordi (La Sandwicheria).

El público eligió la película La Patota (2015), adaptación del clásico protagonizado en 1961 por Mirtha Legrand. Este filme cuenta con el rol protagónico de Dolores Fonzi en la piel de Paulina y está dirigido por Santiago Mitre. Relata la historia de una abogada que regresa desde Buenos Aires a su pueblo originario Misiones, para dedicarse a dar clases en zonas periféricas de Posadas. Es en esta ciudad donde es atacada sexualmente por una patota de jóvenes, lo que marca un antes y después en su futuro laboral, familiar y social.

Por otro lado, un jurado compuesto por Jean Pierre Noher (Argentina), Paula de Luque (Argentina), Nelson Diniz (Brasil), Juan María Villar Betancort (España) y Hugo Burel (Uruguay) galardonó como mejor película “La Luz Incidente” dirigida por Ariel Rotter y protagonizada por Erica Rivas, quien también se llevó un premio cómo mejor actriz por el voto del jurado. El largometraje trata sobre cómo luego de una tragedia familiar, una mujer comienza a rehacer su vida. En ese proceso de duelo, una luz débil pero persistente comienza a abrirse paso en las tinieblas. La película había ganado Premio a Mejor Actriz y Premio Fipresci en Mar del Plata.

El premio a mejor actor lo ganó Damian Alcazar, quien actúo en la película “La delgada línea amarilla” (México) dirigida por Celso Garcia.

Por último, el aclamado director brasileño Ruy Guerra fue escogido mejor director por su película “Casi Memoria”, protagonizada por Tony Ramos y Charles Fricks. Trata sobre Carlos (Charles Fricks) un periodista que, en un día determinado, recibe un misterioso paquete. Descubrirá que el envío fue hecho por su propio padre, Ernesto (João Miguel), quien murió hace unos años. Una de las características de esta producción es el encuentro del joven Carlos (interpretado por Fricks) con la “viejo Carlos”, compuesto por Tony Ramos.

Además, se entregaron dos menciones especiales: a “Clever” (Uruguay) de Federico Borgia y Guillermo Madeiro, como la mejor Ópera Prima; y a Pablo Baiao de “Casi Memoria” a Mejor Fotografía.

Luego del dictamen se exhibió la película “Mi amiga del Parque” producción Argentina/Uruguaya, protagonizada por Julieta Zylberberg y dirigida por Ana Katz, quien a su vez es la coprotagonista del filme. Este largometraje recibió el premio a mejor guión en el festival de Sundance (Utah, Estados Unidos). Según Katz, esta película cuya producción llevó tres años, se destaca por contener escenas desarrolladas principalmente en locaciones uruguayas (Parque Rodo, Jardín Botánico). Katz: “Busca transmitir la idea de que somos personas más allá de hombres y mujeres, además de sensibilizar. Ilustra como la llegada de un hijo cambia la vida de la persona que a partir de ese momento se hace”. Para concluir, al preguntarle su posición con respecto al debate sobre la concepción u adopción de hijos de forma no tradicional (fertilización in vitro, adopción homoparental) la directora se mostró firme. “Leyendo declaraciones del candidato a presidente próximo de Brasil o de muchos políticos que están llegando a la región se habla de cierto retroceso. Una mujer que adopta podría ser perfectamente la protagonista de esta película. Y un hombre que adopta con su pareja hombre también podría vivir exactamente lo mismo. Defiendo el encuentro entre personas mucho más que la familia convencional ya que eso no define un valor genuino, en cambio el amor sí.”